¿Quién es Risto Mejide?

Risto Mejide, brutalmente honesto

Que nadie se engañe, a estas alturas ya todo el mundo sabe quién es Risto Mejide (nada de soy demasiado indie como para reconocer que sé quién este tio).
Risto es un personaje incómodo, hiriente y maleducado. Lo que vulgarmente se conocería como un cabr*n con mayúsculas. Y fíjate que hablo de un personaje, y no de una persona. Mucho se ha debatido en torno si Risto Mejide es así o está representando un papel de villano; creo que ninguno de nosotros sabremos nunca quien es realmente Risto Mejide. Personalmente soy de las que se inclinan por pensar que es un personaje, no concibo una persona tan franca y tan inclinada a hablar mal de quien sea y de lo que sea (si es así, la de hostias que se ha tenido que llevar este tio en su vida!).

Sea como fuere, considero que este hombre es un auténtico genio que ha sabido crear (en sus propias palabras) un producto que vende, y mucho. Se ha convertido en el villano de la televisión que pone a parir a los concursantes de OT insultándolos y ridiculizándolos, a base de guantazos verbales, y que tanto nos gusta a todos. Porque aunque es malo malísimo, aunque es un capuyo sin escrúpulos, Risto mola. Cada día es más bestia y más hiriente y eso se debe a que precisamente somos nosotros, su público, los que alimentamos la personalidad de este vil y cruel personaje. Todos estamos pendientes de las nominaciones para ver la burrada de turno que suelta. Creo que incluso en el fondo pensamos, “Venga, a ver si te superas”.

Lo que ya decía, es un genio. Un hombre que sabe lo que la gente busca, polémica. ¿Sabéis esa frase que dice “No me importa si hablan bien o mal de mí, lo importante es que hablen de mí”? Yo creo que no hay mejor manera de definir el fenómeno Risto; adorado o criticado, Risto consigue que se hable de Risto, incluso más que de los propios concursantes de Operación Triunfo. Hagamos una prueba sino, ¿alguien puede decirme más de cinco nombres de la anterior edición de OT? (Vale, yo sí, pero yo no cuento). Seguro que no; eso sí, todos sabemos lo malo que Risto fue con Leo, con Jose Antonio, con Jose Galisteo o con Mercedes (ya he dicho 4 nombres, lo dicho, yo no cuento).

Me gustaría también comentar el origen de Risto. Yo creo que este personaje surgió de repente, por sorpresa y que gustó y por eso se ha ido explotando cada día más y más. No era más que una estrategia de sustituir a un malo por otro más malo aún, viniendo a ocupar el puesto de villana que Noemí Galera, otro miembro del jurado, venía encarnando sin pretenderlo al criticar tan duramente a la pobre Idaira. Aquel pique de la Galera con la concursante disparó la audiencia y a Gestmusic le sonó la flauta y hasta la trompeta. Y ahí nació Risto, para encarnar el papel de malo malísimo de forma expresa que tanto disparaba el share de la cadena.

Lo que casi nadie conoce de Risto Mejide es el currículo que acarrea a sus espaldas y la trayectoria laboral que ha tenido antes de convertirse en fenómeno de masas. Ha estado trabajando para las compañías publicitarias más importantes de nuestro país y ha sido el responsable de campañas publicitarias de gran éxito. También ha ejercido de profesor en la Universidad de Barcelona a lo largo de muchos años y también se mueve en el mundo editorial. De hecho recientemente ha publicado un libro.

Yo creo que Risto ha sido y está siendo muy listo. Nadie mejor que él sabe que todo producto tiene fecha de caducidad pero, esperando a que ese momento llegue (el momento en el que Risto nos canse) está aprovechando el tirón del éxito que le está deparando su personaje y está sacando tajada por todos los lados.
Pues eso, lo sigo pensando, este hombre es un auténtico genio y un auténtico capuyo. Pero mola, Risto mola.


Os dejo con algunas perlas del susodicho.

Deja, deja de cantar ya, por favor… que se me están saltando las lágrimas… Esto no es Gran Hermano. ¡Y luego a mí me llamáis cabrón! (a un aspirante en el cásting)

Mario, gracias por presentarte… pero no vuelvas a hacerlo (a un aspirante en el cásting)

Te lo voy a intentar decir de forma suave porque luego me dicen que soy borde… eres difícil de mirar y todavía más difícil de escuchar (a un aspirante en el cásting)

No hay sonido capaz de describir tu actuación de esta noche, y si lo hay no es un sonido que saldría por la boca (A Esther)

Has parecido un muñeco hinchable que se paseaba por el escenario (a Rubén)

¿Hay alguien más que se le haya muerto el perro, el canario, o un abuelo, y quiere dejar la Academia? (después de que Patty abandonara el programa porque su abuelo había fallecido)

A mi no me pagan por tener que aguantarte (a un aspirante en el cásting)

Voy a contar hasta tres y cuando acabe quiero que te hayas ido para Elche. Uno, dos, tres…¿todavía aquí? (a un aspirante en el cásting)

Yo creo que con tu actuación has dado la oportunidad a muchas familias en sus casas a levantarse, irse a la nevera y tomar algo (a Leo).

Tal y cómo lo has cantado te has convertido en el primer hombre-anuncio. Provocas en el público el mismo efecto que un anuncio: mientras tú cantabas, la gente o se ha ido a mear o a cambiado de canal (a Ismael).

Noelia, eres una cantante de ochenta años encerrada en un cuerpo de veinte. Además me das un poquitín de grima. Tú con tu edad tendrías que ser mucho más fresca. ¡Todo lo que cantas huele a naftalina (a un aspirante en el cásting)

Es difícil gritar como tú gritas y encima afinando. No pasas pero tienes mucho futuro como pregonero.

Yo te diría que te sacaras lo que tienes en la boca y lo intentaras en otro cásting

Tú en tu casa tienes espejos? Y los usas? Pues los usas muy mal eh.

Te he reconocido por tres cosas: la canción coñazo, el pelo pincho y las cejas estas. Que no, que no pasas.

Antes que nada déjame darte… déjame que sea el primero en darte la bienvenida al karaoke más caro del mundo. Me gustaría decirte… con suerte vamos a pasar tres meses juntos, así que mejor que vayamos al grano. Aquí algunos estáis de relleno. No había suficientes para cubrir todas las plazas que tiene la Academia y eso alguno de vosotros ya lo ira descubriendo. En tu caso has elegido una canción que es de Nena Daconte, interpretada por Mai Meneses. Tú sabes que Mai Meneses estuvo aquí, en la segunda edición. A mi me gustaría que tu siguieras sus pasos y no me refiero a triunfar en la música sino que también fueras expulsada en la primera gala (a Tania G)

Cicle Imatges de Dret al Cinema V

Matar a un Ruiseñor: Una adaptación magistral de una novel soberbia

¿Aún no sabes por qué es un pecado matar a un ruiseñor?

"Atticus Finch no hacía nada que pudiera despertar la admiración de nadie: no cazaba, no jugaba al póker, no pescaba, no bebía, no fumaba... Se sentaba y leía. (...) Cuando nos dio nuestros rifles de aire, Atticus no nos enseñó a disparar. Fue el tío Jack quien nos instruyó en sus principios, dijo que Atticus no estaba interesado en armas. Atticus le dijo a Jem un día, -Prefiero que disparen a las latas vacías en el patio trasero, pero se que ustedes van tras los pájaros. Dispara a todos los pájaros azules que quieras, si es que les puedes acertar, pero recuerda que es un pecado matar un ruiseñor-. Ese fue el único momento que escuché a Atticus decir que era un pecado hacer algo, y le pregunté a la señorita Maudie al respecto. -Tu padre tiene razón-, me dijo ella. Los ruiseñores no hacen otra cosa que crear música para que la disfrutemos. No se comen los jardines de la gente, no hacen nidos en los graneros, no hacen otra cosa que cantar su corazón para nosotros. Es por eso que es un pecado matar a un ruiseñor”


Señores, señoras…esto es cine

Adaptar una novela al cine nunca es sencillo, y más si estamos hablando de una obra maravillosamente escrita por Harper Lee, pero visto el resultado final lo único que podemos hacer es aplaudir. Una joya cinematográfica que, a pesar de tener más de 40 años, sigue brillando como desde el primer día. Matar a un ruiseñor es un excelente modelo de adaptación literaria que, a través de una sobria dirección y una más que excelente actuación, sabe efectuar con rigor y sin paternalismos hipócritas una reflexión sobre una realidad social claustrofóbica y excluyente.

Durante la depresión de los años 30, en una pequeña y profunda ciudad sureña de Estados Unidos, un hombre negro es falsamente acusado de haber violado a una mujer blanca. Aunque la inocencia del hombre resulta evidente, el resultado del juicio es tan previsible que ningún abogado movería un dedo para evitarlo...excepto Atticus Finch, el ciudadano más respetable de la ciudad. Su compasiva defensa le costará muchas amistades pero le otorgará el respeto y la admiración de sus dos hijos pequeños, huérfanos de madre. A través de las ávidas y curiosas miradas de los hijos de Atticus, se nos muestra la intolerancia social, el odio y los prejuicios de la población sureña hacia la comunidad negra.

Una interpretación memorable
Parece que el mismo personaje se haya inspirado en el actor, pues Gregory Peck se enfunda en un traje de honorable abogado que pace estar hecho para él. La mayor parte del éxito y la genialidad del film recae sobre los hombros de la figura del insigne Atticus Finch, magníficamente interpretado por Peck (quien se llevó el oscar a la mejor interpretación masculina); la película supone una inyección de humanidad a base de las lecciones de moralidad que un padre da a sus hijos. De hecho, el personaje de Atticus Finch se ha convertido en uno de los referentes morales de la cultura americana. Media humanidad se ha soñado, y seguirá soñándose, dentro de la piel de ese hombre apacible en su lucha callada contra el dolor y la injusticia.

La lucha de Atticus Finch por defender lo indefendible es una de las imágenes más seductoras y vivas que se ha hecho de la esperanza; Quería que vieras lo que es realmente el valor, en lugar de tener la idea de que el valor es un hombre con un arma en su mano. El verdadero valor es cuando sabes que tienes todas las de perder, pero emprendes la acción y la llevas a cabo a pesar de todo. Raramente ganas, pero algunas veces lo logras.
Ni en dos ni en tres, en una palabra, sublime.

La historia supone una conmovedora aproximación al mundo de la infancia, a través de cuyos ojos, percibimos su descubrimiento del mundo y su forja como seres humanos comprometidos y responsables. Es por eso que el papel que juegan los niños en la historia también es fundamental. Los niños encarnan perfectamente a sus personajes y lo hacen con una naturalidad y una profesionalidad asombrosa. La niña Scout Finch, transmite una ternura sin igual, es la inocencia personificada.

Una dirección asombrosa
Robert Muligan pareció estar tocado con una varita mágica cuando dirigió Matar a un ruiseñor. Todo en su sitio. Sin caer en la tentación del dramatismo de los disturbios y los odios raciales. “El gran peligro de convertir la novela Matar a un Ruiseñor en una película consiste en la fuerte tentación que tiene el director de lanzarse a las arenas movedizas del debate sobre integración/segregación racial. No es un panfleto par un mitin, hablamos de intolerancia, falta de comprensión y rigidez de los parámetros sociales en una pequeña ciudad del Sur”. Las palabras Mulligan, el propio director, resumen a la perfección la esencia del film.

Una fotografía insuperable
Este gran clásico recrea una atmósfera muy difícil de conseguir pero Matar a un ruiseñor tiene una fuerza visual deslumbrante, y eso que está filmada en blanco y negro. La película es un regalo, una sucesión de imágenes que se te quedan grabadas en la retina por su perfección. La imagen en la que en los juzgados toda la comunidad negra se alza en pie al paso de Finch, aún me pone el pelo de punta.

En fin, hablar mal de una película como esta sería algo así como matar a un ruiseñor. Un clásico del cine del que no había tenido el honor de disfrutar pero que estoy segura nunca olvidaré. Recomendable al trescientos por cien, especialmente para todos aquellos que alguna vez creímos que nuestro padre era Dios.
Pero es que Atticus Finch, es Dios.
Yo de mayor quiero ser Atticus Finch.

PDTA. Estos son los puntos de reflexión que se trataron en la clase de “Imatges de Dret al Cinema”: justicia y comunidad, códigos de conducta, la relación entre derecho y raza.

Os dejo con algún video...

http://www.youtube.com/watch?v=onw4THV0hWg

(ojo! es la escena final)

http://www.youtube.com/watch?v=3lLudpX_HQ4&feature=related

(trailer de la película)

http://www.youtube.com/watch?v=mz7jGDG8fM8&feature=related

(diferentes fragmentos de la película)

cicle Imtges de Dret al Cinema IV

Tom & Viv: una tormentosa historia de amor

Tras ser testigos la anterior actualización del tormentoso matrimonio entre Sofía Loren y Marcello Mastroianni en Matrimonio a la italiana, nos topamos de nuevo ante una historia de amor forjada a base de drama, tormento y martirio. En Tom & Viv nos encontramos con una historia de amor que sobrepasa los límites de lo intenso.

Nos encontramos ante una importante y muy discutida película histórico-biográfica de Brian Gilbert basada en la pieza escénica de Michael Hastings, que muestra el drama sentimental del famoso poeta, dramaturgo y crítico tomas Eliot. Relata no tanto la vida del poeta, dramaturgo y ensayista –premio Nobel en 1948– ni su hacer literario, sino más bien la figura de su primera mujer. Esta es la verdadera y apasionada historia de amor entre T.S. Elliot, uno de los poetas más grandes del siglo XX, y su esposa Vivianne Word, una hermosa y vivaz muchacha de la alta sociedad en buena parte inspiradora de toda la obra del poeta. A pesar de que se tenían un intenso y perdurable amor, su dispareja unión estaba destinada a fracasar desde un principio. Vivianne padecía un desequilibrio hormonal y las medicinas que le recetaban la hacían comportarse de una manera excéntrica y errática, hasta el punto de ser tachada de loca por la sociedad que los envolvía. A medida que la carrera de Elliot ascendía vertiginosamente, el comportamiento de Vivian se hacía cada vez más difícil de controlar, por lo que finalmente él decide internarla en un asilo.
Ambientada en el vibrante mundo de un Londres de entreguerras, Tom & Viv explora el nacimiento de las mejores obras del poeta, a raíz del dolor y las dificultades presentes en su matrimonio. A pesar de que Vivianne ha sido descartada de la historia de Elliot en muchas ocasiones, su contribución a su vida y obra son completamente inconmesurables. El director del film comentó en una ocasión lo siguiente: “Si Elliot supo captar la esencia de la guerra en La tierra baldía sin haber pisado jamás un campo de batalla es porque el verdadero campo de batalla lo tenía en casa”.

Los episodios que se dan lugar en la película nos dejan ver una cara nada agradable del dramaturgo, y lo colocan en situaciones en las que no sale muy bien parado. Se sugire vagamente que Elliot se sirve del matrimonio para introducirse en la alta sociedad inglesa y en otros ambientes literarios (se muestran círculos sociales en los que vemos a Victoria sackville West o a Virginia Wolf), a fin de publicar sus poesias. También lo deja mal parado al hacerlo principal responsable del reclutamiento de su mujer (por incapacitación mental y moral) y se le acusa de abandonarla y de negarle la libertad, incluso después de estar ésta curada. En la misma línea de taimada conducta se sugiere que debería situarse la conversión de Elliot al anglicanismo. La película destapa los hechos oscuros de tal insigne dramaturgo y evoca una imagen un tanto egoísta de él. No obstante, cabe la posibilidad de que esta sea tan solo la percepción de una humilde servidora. Considero que la figura de Elliot requeriría un estudio psicológico algo más profundo así como de sus motivaciones personales; sin embargo, la falta de trazo y hondura llevan la narración a una acusación un tanto superficial.

En cuanto a la interpretación del dramaturgo, a cargo del conocido actor Willem Dafne (yo siempre lo recordaré como el malo de Spiderman), cabe comentar que su actuación es muy correcta y acertada teniendo en cuenta la dificultad que significa interpretar a un personaje tan profundo como T.S.Elliot; quizá se echa en falta una pizca de riesgo y de pasión en la encarnación del personaje, pero supongo que esto no incumbe tanto al actor, sino más bien a la dirección del film. En cuanto a la interpretación de Viv a manos de Miranda Richardson, considero que el papel que juega de excéntrica y de loca la hace brillar con luz propia. Tanto el guión como la dirección del film prestan una atención fundamental a este histriónico personaje, pues no deja de ser también una pieza fundamental en la vida y en la obra del autor. La encarnación de Viv por parte de la jóven Richardson es magnífica y asombrosa, supongo que también se debe a la riqueza que representa un personaje tan peculiar que experimenta sentimientos tan contradictorios. Estos altibajos emocionales le permiten a la actriz destacar por encima de muchas cosas.

Cabe destacar, por otro lado, la riqueza de escenarios y decorados y el excelente trabajo de vestuario; sin duda un acertadísimo trabajo de fotografía. La música también contribuye a hacer brillar una película que, de otro modo, sería simplemente aceptable. Y es que el rodaje en escenarios naturales de Londres y Oxford queda enriquecido con una banda sonora de temas clásicos (Brahms, especialmente) y por el espléndido cuadro interpretativo que encabezan Willen Dafne y Miranda Richarson, muy comedidos en sus difíciles papeles.

Es sin duda una interesante forma de descubrir el trasfondo oculto en los poemas de este genial dramaturgo y de ser testigos de una historia de amor tormentosa que, no obstante, consigue enternecer al corazón más gélido. Hay secuencias artísticamente muy logradas, como la del desenlace final: esa serena despedida entre Viv y su culpable hermano y el descenso en ascensor de Tom (la culpabilidad en persona) tras haber recitado sus poemas en la radio.

Si tenéis ocasión de verla, no lo dudéis. No os quedéis sin conocer a Vivianne.

PDTA. Estos fueron los puntos de reflexión que se debatieron tras el visionado de la película en el ciclo “Imatges de Dret al Cinema”: la naturaleza jurídica del matrimonio; el derecho a la sinrazón (locura e incapacidad judicial); la herencia y el testamento; la moralidad y el entorno social.

Os dejo con el trailer de la película

http://www.youtube.com/watch?v=py0oyAfXCmI

Cicle Imatges de Dret al Cinema III

Matrimonio a la italiana: una película que esconde un drama bajo una máscara de comedia

El star system italiano funcionando a tope, con el gran De Sica en la dirección y la estelar pareja Loren-Mastroianni en la interpretación. Una comedia muy famosa en su día, una película a la italiana, dónde se dan cita el humor negro, la moralidad, el griterío, la picaresca, pero sobretodo el amor.

La acción se desarrolla en Nápoles, durante la Segunda Guerra Mundial, una época en la que los bombardeos mantienen alerta a la población y la comida escasea. Bajo el marco de tal escenario, acontece una historia que gira en torno a los encuentros y desencuentros entre Filomena Marturano (grandísima Sophia Loren) y Domenico Soriano (Marcelo Mastroinanni). Ella es una bella joven abocada la prostitución como única forma de vida y él es un apuesto empresario al que los negocios le van viento en popa y al que le encanta vivir la vida de forma libre y sin ataduras. El destino hace que sus caminos se crucen de forma que nunca más vuelvan a separarse; el apuesto Don Juan hace de Filomena su amante y la retira de la profesión, proporcionándole un hogar, un trabajo, y un poco de amor de vez en cuando. Pero pese a vivir casi como si de un matrimonio se tratase, el espíritu libre y el miedo al compromiso de él harán tambalear la relación. Pero la constancia, la perseverancia y la lucha (llevada hasta lo extremos) de Filomena por conseguir reconocimiento y respeto harán que nunca acabe lo que en su día empezó.

Ella, una mujer bellísima e inteligente, que sólo conoció una juventud dura, aspira a llevar una vida honorable junto al hombre que ama, mientras que él lo que busca son los beneficios de tener una "esposa" en casa sin pasar por el altar. Estos distintos pareceres crearán muchos conflictos. De hecho la película está forjada a base de conflictos, de duelos, de contradicciones; la entrega absoluta de una mujer contra los desaires despreocupados de un hombre, el egoísmo de un padre contra la abnegación de una madre, la libertad contra el compromiso, la comedia frente al drama. Duelos colosales integran esta interesantísima historia que poco a poco consigue enganchar al espectador por su fuerza, su realismo y su capacidad para transmitir sentimientos universales como el amor o la traición.
Precisamente es esta contradicción que se respira en cada fotograma, la que hace que la película brille de la manera en que lo hace. Un film brillante que se sostiene con magníficas interpretaciones, con diálogos llenos de fuerza y con una historia divertida, a veces delirante, que engancha desde el primer momento.

Pero, por encima de todo, ella. Una Sofía Loren encarnando a la clásica y más que apetecible "donna" italiana: frondosa, exuberante, esposa y amante. La gran actriz italiana, que un par de años antes ya se había llevado el Oscar por Dos mujeres, consigue emocionarnos con su interpretación de una antigua prostituta dispuesta a todo por su salvar su dignidad. Sophia Loren resplandece en un papel espléndido, lleno de fuerza, vigor, ternura y descaro. Un personaje que pasa por casi todas las fases emocionales de una persona y que consigue hacer de su lucha por la dignidad de la mujer y del ser humano, el motor de la película. Magnífico también el papel de Don Juan interpretado por un gran Marcello Mastrioianni, que añade ese punto chulesco y despreocupado a la trama. Un galán difícilmente mejor interpretado por nadie, con el que el actor consigue enfundarse en un traje de vividor liberal y ligón que le viene como anillo al dedo.

Magnífico también el trato de Vittorio Sica, el director, que se lanza sin red y trata sin tapujos temás tabú que van desde las relaciones ilícitas entre personas solteras a la triste y precaria situación de las mujeres que se veían obligadas a prostituirse para sobrevivir, pasando por la maternidad sin estar casada. Situaciones poco comunes o fáciles de contemplar para el tiempo en el que se hizo la película pero que, lejos de caer en el dramatismo fácil, están tratadas con una naturalidad que asombra. Nunca es fácil enmascarar situaciones tristes y disfrazarlas de comedia; eso es lo fantástico de esta película, que aún presentando una trama un tanto inverosímil consigue ser real, pues no es más que una historia de amor forjada a base de sentimientos tan reales como la vida misma.

Pero uno de los rasgos que más me agradan es que la película no juzga ni condena, sólo nos muestra los hechos implicándonos vivamente en el desarrollo. Observamos el estilo de vida de una mujer que la sociedad consideraría como "perdida", una mujer "no respetable", y de un hombre que es un tarambana y un cabeza ligera, y sin embargo no podemos condenarlos, e incluso acaban conquistándonos poco a poco con su escandalosa y frágil humanidad.

Repito, Sophia está espléndida, sólo por verla en uno de sus mejores momentos como actriz ya merece la pena ver esta película.
Por cierto: la pifiaron con el doblaje al español. ¿Es que en ese momento los dobladores buenos estaban de vacaciones, o qué? La mala calidad del doblaje hace perder puntos a un largometraje que se merecía algo muchísimo mejor. La próxima, en versión original, está claro. En resumen, se trata de todo un clásico del cine italiano de los años 60 que merece la pena ver. Si te gusta el cine romántico ni te lo pienses, esta es tu película. Y si simplemente te gusta el buen cine, más de lo mismo.

PDTA. Estos fueron los puntos de reflexión que se debatieron tras el visionado de la película en el ciclo “Imatges de Dret al Cinema”: el derecho de la vida privada (reglas, estrategias y exclusiones); la naturaleza jurídica del matrimonio (el in articulo mortis); la prostitución, la miseria y la filiación; los niños expósitos y el derecho al nombre.

Stand-up comedy, el arte de hacer monólogos

La cocina de los monólogos II: el humor que les sale de los fogones!

Últimamente los monólogos están de moda, sobretodo en el teatro. Sólo hace falta echar un vistazo a las distintas páginas y revistas de teatro; monólogos por allí, monólogos por allá. De hecho hace unos días me recomendaban un espectáculo, La cocina de los monólogos 2 (actualmente en la Sala Muntaner); una auténtica demostración de l’stand-up comedy americano. Por los que no sepáis de qué va este género, hoy me gustaría ofreceros un pequeño apunte sobre ello y recomendaros, a su vez, la peculiar cocina anteriormente citada.

Hablamos de una nueva forma de hacer teatro cuyas raíces encontramos en EEUU. Aún así es un género ya asentado en nuestro país que pone a prueba la capacidad de reacción y la naturalidad del artista, quien está totalmente a merced de la audiencia, y es que a diferencia del teatro, el comediante en vivo interactúa con el público estableciendo diálogos con algunos espectadores; no debe bajar su cara frente a una interrupción de la audiencia, al contrario, debe responder inesperadamente y seguir entreteniendo al resto del público. Esa es su principal meta: hacer reír a la audiencia con la ayuda de historias humorísticas y chistes cortos.

Una pared de ladrillo y un micrófono es lo único que acompaña a los monologuistas de l’stand-up comedy a la hora de enfrentarse a sus oyentes. Esto, mucho humor y mucho desparpajo. Solos ante el público no les queda más remedio que exprimir al máximo su ingenio y hacer reír a la audiencia. En España este tipo de soliloquios se han ido popularizando, sobretodo, gracias a la televisión (El Club de la Comedia, Andreu Buenafuente, El hormiguero…); aún así no sólo a la pequeña pantalla le pertenece el monopolio de los monólogos, ni tampoco existe un solo lugar (el sofà) desde donde disfrutar de las ocurrencias de los cómicos de micro.

En Norteamérica, lugar pionero en ver nacer a monologuistas, existen locales nocturnos que se especializan en comedia en vivo o comedy club utilizando tan solo un muro de ladrillo y un micrófono como escenografía, atuendo heredado en la comedia en vivo española. Una muestra en el arte de hacer monólogos nos la trae el trio de actores que protagonizan La cocina de los monólogos II: Albert Boira, Belén Rubio y Marc de Alberdi.

Después de más de un año ofreciendo a los paladares del público madrileño y barcelonés La cocina de los monólogos y habiendo paseado sus fogones y utensilios de cocina por distintas ciudades de nuestro país, esta compañía nos presenta un espectáculo con el que saborearemos sus nuevas recetas de humor: La cocina de los monólogos II. No, no se han estrujado mucho el cerebro a la hora de escoger un nuevo nombre… Pero el caso es que no sólo comparten el nombre, ambas obras tienen en común el resultado final que provocan en el espectador; salir del teatro con una sonrisa de oreja a oreja.

Bienvenidos a La cocina de los monólogos. De entrada avisaros de que aquí no vais a comer (a no ser que os pongáis de acuerdo con el de al lado) porque lo de la cocina va por otra cosa. Cuando nosotros cocinamos un monólogo en vez de dejar que enfríe, ponerle especias para que no pique o soplar para que no queme, lo llevamos directamente a la boca: si pica, pica; si quema, quema y si jode, jode.
Así se presenta el espectáculo y así se define a su vez la esencia del show. No sin antes ofrecernos un aperitivo, en el que estos peculiares cocineros interactúan con el público para ir calentando motores e involucrar al espectador en su tan especial cocina. Más tarde, una vez el fuego anda calentito, se comienzan a cocinar los tres platos de la noche, o los tres monólogos protagonistas del espectáculo. Los tres artistas ofrecen una actuación genial en la que no destaca uno por encima del otro y en la que hacen gala de un humor gamberro y una espontaneidad pasmosa. Un buen chorreón de situaciones divertidísimas salpimentadas con un buen puñado de surrealismo son los ingredientes clave de esta obra.

Destaca la cara dura y los platos fuertes de Albert Boira, el toque femenino y la lengua mordaz de Belén rubio y las dosis de surrealismo y la visión loca de la realidad de Marc Alberdi. Tres cocineros fogonudos y expertos en el arte de cocinar sonrisas que consiguen que salgamos del teatro empachados de risas y más risas.

Seguro que querrás repetir.

Os dejo con un video de La Cocina de los Monólogos 1 para que os animéis haber la segunda parte, La cocina de los monólogos 2

http://www.youtube.com/watch?v=-VGHYCOVROQ

Para conseguir entradas a muy buen precio (38% descuento)ir aquí

http://www.atrapalo.com/espectaculos/evento-16210-la-cocina-de-los-monologos-2#